Reassemblage - Trinh T. Minh-ha

Reassemblage (1983)

Trinh T. Minh-ha

Vietnam

I'm looking through a circle in a circle of looks

Con un discurso fresco y rebelde, Trinh T. Minh-ha logra una película que habla mucho en varios niveles retratando la vida de la mujeres de Senegal y armando un rompecabezas audiovisual.  Por un lado cuestionando las imágenes que hasta hoy en día nos han llegado del continente africano y sus habitantes y por el otro, retando las estructuras de construcción cinematográfica.  Una reflexiva crítica a la imagen que se le ha otorgado a la mujer africana y sobre todo una visión distinta que elimina las diferencias que podrían existir entre el mundo blanco y el mundo negro que hasta la fecha se han sobrealimentado.  Un punto de empatía a través del retrato de la vida cotidiana y una constante ruptura intencional de la construcción cinematográfica por parte de la directora logran que el espectador vea más que una historia e invitan a la reflexión.  Me parece más cercana la propuesta hacia un collage de imágenes que se suman en nuevos significados en lugar de un mero documental demostrativo, a pesar de la impresión que puedan dar la fotografía y los objetivos.

Una de las propuestas en Reassemblage que creo mejor se logra es la propuesta sonora.  Trinh T. Minh-ha controla totalmente el espectro sonoro en su película y reta las estructuras clásicas cortando el sonido y mezclando con otros que no pertenecen.  La voz que escuchamos no nos está narrando lo que sucede en la imagen, funciona como ideas y pensamientos que no necesariamente nacen a raíz de la imagen que se está viendo o que se va a ver.  De esta manera el sonido se convierte en otra serie de piezas que se recortan y se pegan en un nuevo collage.  De ahí el reensamblaje que la directora le propone al espectador, un reensamblaje de imágenes y sus contenidos.

 

 

 

Nanook Of The North - Robert J. Flaherty

 

Nanook Of The North (1922)

Robert J. Flaherty

Estados Unidos

Flaherty y Nanook han sido pioneros del documental comercial y antropológico, así como sus capacidades.  Puede ser que algunas de las técnicas utilizadas por Robert Flaherty se alejen de alguna especie de “ética” contemporánea en cuanto a la veracidad de las situaciones pero eso no deja de ser más que dentro de un ideal de lo que debería de ser un registro documental.  Pero creo que es necesaria la intervención del director y alguna intención de puesta en situación o en escena para que los resultados sean efectivos.  El lenguaje cinematográfico difiere ampliamente de la experiencia de la realidad, por lo que creo que es necesaria la intervención del director para obtener imágenes que funcionen.

Es cierto que el resultado puede diferir de una verdad más afín a la realidad pero ahí es donde nuevamente debe de entrar el director para tener el juicio y el conocimiento suficiente para decidir qué y hasta dónde.  Por ejemplo, es conocido que aunque los esquimales Inuit en esos años ya cazaban con armas de fuego Flaherty les pidió utilizar los instrumentos de sus ancestros pensando en una imagen más efectiva y que a su vez hablara mejor de su raza (no mejor en cuanto a bien y mal sino en cuanto a veracidad).  Puede uno pensar que esto es una deformación de la verdad actual pero creo que también se puede decir que el hecho de que los esquimales utilicen armas de fuego que les llevaron los europeos es una mayor  e impuesta deformación de su verdad.  A lo que me refiero es que simplemente es más apegado a la realidad un esquimal con lanzas que con pistolas y no es que sea la imagen establecida del esquimal sino que son sus herramientas originales que le otorgan mayor sentido a sus raíces y sus razones.

Es claro que una imagen para cine puede funcionar distinto a la misma imagen en vida y real, empezando por el mero hecho de que el cine no deja de ser un invento que depende de la tecnología de los tiempos.  Esto genera nuevos mundos de representación en donde algunas cosas de nuestra realidad no tienen espacio o tienen otras limitantes como sucede con la luz.  En el caso de la película, es necesaria una específica cantidad de luz que pueda quemar la plata y si no hay suficiente por más que tu ojo lo esté viendo, en la película no se va a ver.  En ese tipo de casos creo entonces que es más que justificable que Flaherty haya hecho cosas como la construcción de un igloo de “set televisivo”.

 

 

La Pirámide Humana - Jean Rouch

La Pyramide Humaine (1961)

Jean Rouch

Francia

   

En definitiva una de las películas que más me han impresionado e influido en mi pensamiento cinematográfico.  Lo que hace Rouch en esta película es simplemente a mi vista brillante.  Une el mundo del documental con el mundo de la ficción y se atreve a hacer cosas que otros hubieran pensado inimaginables.  Y a su vez me parece un excelente experimento sobre la interacción humana.  Rouch sabía que para poder sacar el verdadero ser de sus personajes, les tenía que dar la libertad de ser quienes ellos quisieran.  Lo único que tuvo que poner fueron los elementos y la meta, el resto de los personajes se encargaron de dibujar el trayecto.  Este trayecto es el que realmente quería Jean y sabía que ningún estudio ni preparación le podría ofrecer ninguna vía tan real ni original como la que le ofrecía esta manera de filmar.

Es valido intentar definir esta película entre documental y ficción, pero creo yo que lo que hace Jean Rouch es algo que no necesita catalogarse.  Es cine y sobre todo muy buen cine.  Hay dos partes en la película que sobresalen para mi.  La primera es cuando el grupo de jóvenes están pasando el día en el campo de futbol platicando y jugando.  Esta secuencia me parece perfecta en todos los sentidos.  Estéticamente se ve muy bien, los emplazamientos de cámara y el montaje son excelentes pero sobre todo el contenido y la fuerza de las imágenes que nacen de esta secuencia me parece algo que muy pocos otros logran como Rouch en este experimento.

 

 

 

 

La segunda es en definitiva grandiosa también: el momento en el que el director está viendo una proyección de esta película con todos los personajes.  Me parece brillante, es en verdad el tipo de cosas que a mi me hacen pensar que un director es un chingón.  Hacer una película en la que le das libertad a tus personajes de hacer prácticamente lo que quieran, proyectarles la película, filmarlos viéndola y luego utilizar ese material como parte de un corte final en donde todo toma sentido.  Es impresionante la capacidad de establecer el juego y sus reglas, son elementos que ayudan a comprender mejor el contenido general de la película.    

 

 

 

 

 

Mammy Water - Jean Rouch

Mammy Water (1953)

Jean Rouch

Francia

 

Con un estilo más apegado al concepto clásico de documental, Rouch retrata Chama: una comunidad pesquera en Guinea que necesita reencontrarse del lado amable con sus dioses del mar.  A pesar de la corta duración, creo que se logran apreciar varios momentos en este documental que hablan de un verdadero reflejo de estos hombres.

Hay un momento que a mi me parece magnífico: el momento en el que están todos en el velorio de su sacerdotisa.  Entre los tambores y los llantos, el pueblo está bailando y cantando mientras acompañan el cadáver de su sacerdotisa.  La cámara viaja entre las distintas personas que están en el lugar y las personas reaccionan ante la cámara.  Creo que en esta secuencia se logran unos instantes de una gran conexión entre el espectador y los objetivos lograda únicamente por la intervención de la cámara.  En particular hay un momento en el que un hombre está bailando abrazando a una mujer y al levantar la mirada y ver la cámara frente a él, su postura y gesticulación cambia dramáticamente reaccionando no a un ritual sino a la presencia del director.  

 

Jean Rouch fue un director que siempre buscó su influencia en los resultados y precisamente él llegó a mencionar sobre la exagerada reacción que ocasiona la cámara ante las personas.